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miércoles, 17 de mayo de 2017

¿qué es pintura?

   Se ha debatido varias veces a lo largo de los años sobre qué es o no arte. Algunos dicen que basta con tener una experiencia estética (entendiendo a esta como lo que nos hace sentir en cuerpo y alma), otros prefieren valorar únicamente  la perfección de la técnica, el buen manejo de los materiales (y que normalmente va relacionado con la idea de que el arte tiene que verse realista) y hay quienes deciden basarse en el argumento más que en la obra en si, le dan más peso al discurso que explica  lo que la obra tiene que expresar que a la expresión real que se experimenta al contemplarla, lo cierto es, que aún hoy en día, no se ha llegado a una conclusión definitiva sobre lo que puede ser considerado como arte o no, pero es verdad que se necesita tener ciertos conocimientos para lograr un análisis claro que no se vaya a los extremos y por lo tanto pueda ser objetivo, para que desde la percepción propia y basándose en argumentos se pueda decidir si algo es arte para ti o no.
  
   Pero, la palabra arte  ya abarca numerosas actividades, la pregunta real aquí es: ¿qué es pintura?.
  
   Desde épocas remotas el hombre ha tenido la necesidad de crear y contemplar imágenes y a lo largo de la historia, estas han cambiado su propósito  y con el su entendimiento, pues bien se sabe que en los tiempos de las cavernas era imposible que hubiera una noción de “arte” y por lo tanto de “artista”. Las imágenes creadas en las cuevas tenían un propósito completamente diferente al que posteriormente le daría la iglesia católica, inclusive los griegos tenían una idea diferente sobre la pintura y quienes la practicaban, diciendo que el pintor no hacía nada más que crear la copia de la copia del mundo perfecto de las ideas, hasta un artesano capaz de confeccionar una silla, merecía más reconocimiento al hacer algo que podía tener un uso práctico que una pintura, cuya practicidad pareciera nula. La pintura de castas, que se hizo popular en época de la colonización, su objetivo era clasificar y registrar las diferentes razas que fueron emergiendo con la mezcla de culturas  que tuvo lugar  en Nueva España, eran pinturas que no pretendían exhibirse en galerías, muchas de ellas son anónimas y al día de hoy tal vez hasta pueden llegar a ser vistas como ofensivas o polémicas, pero en su respectiva época, dónde fueron creadas, tienen un sentido diferente al que se le pudiera dar ahora y otro fin,  y así, basándose en estos ejemplos (por mencionar algunos), es posible darse cuenta de que el significado de las imágenes depende no sólo de la época, sino del lugar y el espacio sociocultural en el que se desenvuelve este, y claro, en él también se incluye la tecnología.
  
   Sin ir demasiado lejos, la creación de la escritura. Antiguamente muy pocos eran los afortunados que sabían leer y escribir, por lo que la iglesia decidió representar pasajes de la biblia con pinturas, la creación de imágenes tomó un rumbo diferente, pues empezaron a basarse en textos, estas imágenes tenían un propósito claro, educar a la gente sobre las enseñanzas y relatos bíblicos, la evangelización, por lo que no es gratuito suponer el por qué la iglesia se apoderó de la pintura y el arte en general durante mucho tiempo,  incluso en el presente, estas pinturas tienen un impacto profundo en varios espectadores, no sólo por la maestría con la que se han creado algunas de ellas sino por el significado previo que se les ha dado, lo que representan, aunque, como se mencionó antes, también tiene que ver la cultura.
  
    Un ejemplo más concreto es la fotografía, en un principio cuando la cámara fotográfica fue inventada no se sabía qué fotografiar, por lo que se comenzaron a utilizar las mismas composiciones que en la pintura y a su vez, los pintores empezaron a experimentar más libremente, pues la foto ya era capaz de crear una imagen extremadamente realista, y lejos de verlo como “el fin de la pintura” lo tomaron como un nuevo estímulo, empezaron a jugar con las formas y el color (elementos que aún eran imposibles de manipular en la foto) y al mismo tiempo, había surgido el óleo en tubo, otro avance tecnológico que dio la posibilidad al pintor de salir de su taller y pintar directamente en el exterior, permitiéndole observar con mayor detalle la luz, gracias a esto, la foto y poder transportar fácilmente la pintura,  surgió lo que caracterizaría al impresionismo y lo haría dejar huella en la historia del arte, su tendencia por captar el instante(al igual que una fotografía) con pinceladas rápidas y pastosas, y sus colores luminosos, producto de la observación y estudio de la luz natural.
  
   A pesar de que la cámara no se haya creado para darle un uso “artístico”, muchos pintores vieron en esta otra oportunidad de expresión, y dejaron el pincel por dicho artefacto, de igual modo, otros, consciente o inconscientemente  se vieron influenciados por su aparición dando lugar a diferentes composiciones que ya no aspiraban a verse realistas como en el renacimiento, sino a transmitir el ambiente por medio del color y la impronta del cuerpo.

    Sabiendo esto, se puede llegar a la conclusión de que el pintor evoluciona junto con la sociedad en la que vive y por lo tanto de igual modo lo hace la pintura, esto tiene como consecuencia no sólo nuevos estilos artísticos sino nuevas formas de percepción y sensibilidad.

   Recorriendo rápidamente la historia de la pintura, esta tiende a volverse menos figurativa y más abstracta conforme avanza el tiempo, a partir del siglo XIX es que empieza a notarse este cambio, el pintor ya no está interesado en alcanzar la excelencia técnica, el realismo, a lo que aspira ahora es a dar a conocer su percepción completamente subjetiva y sensible sobre lo que le rodea, quiere hacer ver y transmitir su sentir o sus ideales, pasa por alto las ideas preconcebidas de la forma, lo cual resulta ser más realista que el propio realismo, sirviéndose de nuevos materiales y elementos para cumplir este objetivo (como se mencionó antes con los impresionistas)  hace uso del color.

    Al pensar en un paisaje, la mayoría esperaría ver una montaña con árboles verdes y un cielo azul, ¿pero qué sucede si no es así?, si en vez de esto, se observa un cielo morado y árboles naranjas, en ese momento la pintura crea una sensación completamente diferente en el espectador y lo envuelve en un ambiente distinto. ¿Y si en vez de ser un paisaje solo son manchas de color?, esto también tendrá como consecuencia una reacción aunque sea biológica, pues los colores por si solos son capaces de crear sensaciones, y si se agrega, además, que dichas manchas son hechas suavemente con acuarela o estampadas agresivamente con acrílico u óleo, también dará un resultado diferente, sin importar si lo que se esté observando tiene similitud con la realidad o no, la expresión resulta ser de mayor interés que la representación pictórica.

    Para entender este punto, es importante deshacerse de prejuicios técnicos y académicos y saber hacer a un lado los gustos personales, ya que el arte va más allá que cualquier gusto o código moral, pues como se dijo antes, este va cambiando conforme a la época y el lugar, y va tomando un sentido y propósito diferente, producto de la sensibilidad de cualquier cultura y a su vez de la mirada individual del artista.

    Al ser la expresión el interés principal de los pintores a partir del siglo XIX (como se mencionó antes), se empieza a hacer conciencia de diferentes categorías estéticas, y con ello, también se crea la noción de arte y artista, suceden fenómenos socioculturales que son claves para el desarrollo de la humanidad y por lo tanto del arte. La primera guerra mundial, que abrió paso al expresionismo alemán, la revolución industrial que trajo como consecuencia a los bohemios y el pop, las famosas vanguardias, etc., el arte ya no tiene que verse realista y hermoso, puede ser grotesco y abstracto, tiene que expresar, hacer sentir, transmitir, hacer ver. En la primera guerra mundial hubo pintores que optaron por sólo usar figuras geométricas y colores planos, argumentando que estaban hartos de la guerra y el todo lo que esta conllevaba, mientras por otro lado, hubo quienes decidieron plasmar los horrores y el pesar que vivieron en ella como forma de protesta, ambas maneras válidas de representar su sentir ante una situación específica, diferentes modos de ver que tuvieron lugar en la misma época.

   Concluyendo, la pintura se podría entender técnicamente como una imagen plasmada sobre un soporte en segunda dimensión, haciendo uso de materiales líquidos, pero se debe tener en cuenta que no toda la pintura se puede considerar arte, y por lo tanto, no cualquiera que pinte se puede hacer llamar artista, el arte es algo que debe trascender y dejar eco en la cultura, también es el reflejo de la sensibilidad de toda un época, una generación,  y la percepción personal del artista que se ha desarrollado en esta en un punto geográfico determinado, formando parte de una cultura específica.

    La pintura puede ser entendida como una pasión o un pasatiempo, pero el tiempo es el único que decide qué pinturas pueden ser consideradas como arte o no, incluso en el futuro puede que la concepción de arte o artista resulte ser completamente diferente a la que se tiene hoy en día, pero mientras tanto sólo queda informarse, conocer, hacer a un lado los prejuicios y los gustos, pues no todo el arte tiene que ser realista así como tampoco debe ser “hermoso”, esto no quiere decir que se menosprecie la técnica ante la expresión o la justificación escrita de la obra, simplemente es preferible tratar de entender la cultura actual para llegar a una conclusión clara sobre por qué se está creando el arte que se crea hoy en día, cómo es que se está plasmando esta sensibilidad en la sociedad actual, esto, claro, sin hacer a un lado la historia del arte, pues como bien se sabe cada estilo pictórico nace a consecuencia del anterior, pero  también se debe tener en cuenta que  cada estilo artístico es producto de su época y no se puede aspirar a ser un artista imitando las corrientes artísticas pasadas.

“Cualquier creación artística es hija de su tiempo y, la mayoría de las veces, madre de nuestros propios sentimientos.

Igualmente, cada periodo cultural produce un arte que le es propio y que no puede repetirse. Pretender revivir principios artísticos del pasado puede dar como resultado, en el mejor de los casos, obras de arte que sean como un niño muerto antes de nacer”. (Kandinsky, 1912, p. 7)

sábado, 29 de octubre de 2016

Calcifer, jugaba a ser Howl.

Estrella fugaz
suicida encantador
convergemos en algún punto de nuestra trayectoria.
Y quieres hacerme caer.
Y quiero arrastrarte conmigo,
pero el impacto es el doble.
Se me revuelven las tripas,
se revuelcan las polillas en ellas,
¿es desesperación?
¿es destino?
¿ o quizá...  amor?



miércoles, 15 de junio de 2016

DON´T WORRY BABY

Análisis semiótico de “don´t worry baby”

“Esta pintura es extraña”.

Eso fue lo que pensé la primera ves que la vi. Recuerdo que me llamaron la atención los colores, el contraste que había entre ellos y las formas del fondo, de igual manera, los globos de diálogo y las calaveras despertaron aún más mi curiosidad, en ese momento pasé de esa idea superficial, “esto se ve raro”, a hacerme varias preguntas respecto a lo que tenía ante mis ojos cómo por ejemplo: “¿por qué ese ángel sostiene una aureola?, ¿qué es esa masa que tiene aquel en la cabeza?, ¿por qué los bocadillos?, ¿por qué la transparencia?, ¿por qué esa paleta de colores?”, y muchas más, en fin, pasaron varios días sin poder solucionar mis dudas debido a que no tenía las herramientas ni el conocimiento necesario para poder responderlas, pero convenientemente en este semestre pude dar solución  si no es que a todas, a varias de las incógnitas que me había planteado a partir de aquella obra, todo gracias a la materia de semiótica.

Dicho esto, es lógico suponer que se hará uso en este trabajo de la semiótica, de la francesa para ser más precisos (también conocida como estructural), esto con el fin de lograr entender más a fondo la obra sólo en base a lo que aparece en ella y sin meternos con el autor o el contexto sociocultural al menos que se vea reflejado en la pintura, puesto que para la semiótica, toda obra de arte es una especie de ventana, no hablará de nada que el cuadro no demuestre, por ende, el objetivo principal aquí será hacer un análisis de la obra “don´t worry baby” por Michael Reedy.



Debido a que este es un artista contemporáneo y poco conocido, no hay textos que hablen de ninguno de sus trabajos por lo que no será posible hacer una comparación con este, así mismo, en eso radica la importancia y relevancia de este escrito.

Lo que a simple vista se puede observar en esta obra es a un total de 10 actores (se utiliza este término en vez de personaje porque este último suele estar ligado a un humano), pintados en tonalidades de café y azul, todos desnudos, dos de ellos son más grandes que el resto, el fondo se compone de espirales en blanco y negro que también aparecen en dos bocadillos situados en las orillas del cuadro y se pueden notar huesos, músculos y venas en los actores al centro de la composición, están sentados y abrazándose, los demás tienen las características de niños pequeños y algunos poseen alas.

Todos estos elementos, como se dijo al inicio de este texto, son lo que hacen a esta pintura tan llamativa. Se sabe que cada obra intenta decir algo, puesto que son signos producidos con el fin de ser percibidos, por lo tanto, nada que aparezca en el cuadro es gratuito o puesto al azar, todo tiene un sentido, la pregunta es: ¿por qué de este modo?  y ¿cuál es la historia que intenta contar?

MARCO TEÓRICO

Dado que este trabajo se centrará en el análisis de una obra resulta necesario definir algunos conceptos.

Como se dijo al inicio de este texto, se hará uso de la semiótica estructural, entendida  como una disciplina que investiga el sistema de relaciones entre signos y en base a esto descubre significaciones.[1]

De igual modo se utilizarán otras teorías para responder a nuestras principales incógnitas, como es el caso del signo, compuesto por significado y significante, entendiendo al significado como la sustancia del contenido y al significante como la sustancia de la expresión.[2]

También, este trabajo piensa basarse en el estudio de las siguientes lecturas lecturas:
KLINKENBERG, Jean Marie. Semiótica de lo visual
RUIZ MORENO, Luisa. Lo visible y lo invisible

Y finalmente se utilizará la rejilla de lectura como un recurso para facilitar nuestro análisis, tomada del texto de Geniasca Jacques “El logos del formato”.

En base a este marco teórico se buscará describir el significado de la obra en cuestión, dividiéndola por “capas” para poder adentrarse poco a poco en las diferentes características que esta pueda llegar a tener, por lo tanto, el objetivo general es conocer el significado de la obra a partir de elementos particulares que iremos analizando individualmente, para finalmente juntarlos y poder entenderla en su totalidad.



[1] Floch, J. M. (1993). Semiótica, marketing y comunicación. Barcelona: Paidos Iberica.
[2] Ruiz Moreno, L. (2014) . El significante negativo de Evgen Bavcar.Benjamín Mayer Foulkes  compilador, 17, CONACULTA, México, 2014 [isbn: 978-607-96131-3-7 y 978-607-516-795-4]ç



DESCRIPCIÓN DEL OBJETO SOPORTE

Para la semiótica francesa existen los individuos que van a aprehender los signos, estos signos aprehendidos podrán ser percibidos por su parte material, captados por el individuo por medio de sus sentidos y recibir una significación, a este proceso se le conoce como percepción.

El formato, como parte de esa materialidad, también es un signo y de igual modo tiene un significado, el objeto soporte es el material de base para el lenguaje pictórico, importa su tamaño, forma y volumen, pues a partir de estos elementos el enunciatario  percibirá la obra de una u otra forma.

En el caso de “don´t worry baby”, se creería que es un cuadro grande, pero sus medidas son 43 x 33 cm. , el soporte es rectangular  y fue pintado con técnica mixta sobre papel.

No hay pinceladas visibles, lo cual lleva a la suposición de que esta obra ha sido realizada con calma y delicadeza, misma razón por la que no se pueden distinguir los materiales que han sido utilizados, es un conjunto homogéneo.




DESCRIPCIÓN DEL PLANO DE LA EXPRECIÓN 

-categorías cromáticas constituyentes

Sin esta categoría no existiría nada visual, la luz y la oscuridad son un fenómeno físico real por lo que al ser representadas en la pintura ya sea de manera natural o artificial, producen efectos físicos y psicológicos en el enunciatario.
La luz aquí está en equilibrio, todas las zonas aparecen bien iluminadas, es difícil definir si se trata de luz natural o artificial por las figuras del fondo, pero nos  permite reconocer las formas y hay plenitud, sin embargo, aun así se cuenta con partes obscuras como en el cuadrante inferior central que es donde recae la sombra de los actores principales, una zona que bien podría considerarse negativa a la vez que invisible.

Otro ejemplo más concreto de esta invisibilidad en lo visible podría ser la transparencia en las calaveras, se sabe que debería ir piel y un rostro que las cubra (lo que normalmente sería lo visible) pero en vez de eso hay músculos, venas y huesos ( lo que se concebiría como invisible), aquí se está haciendo visible lo invisible y viceversa.

El mayor grado de transparencia lo tiene la calavera de la izquierda abarcando cuatro cuadros de la cuadrícula, mientras que la de la derecha sólo abarca el cuadrante superior central y una pequeña parte del cuadrante superior derecho.

CATEGORIAS CROMÁTICAS CONSTRUIDAS

Los colores nos ayudan a diferenciar una cosa de otra y al igual que la luz, nos afectan en cuerpo, mente y alma, son un lenguaje en si mismo y en una obra nunca estarán combinados al azar.

Como se puede apreciar en el objeto de estudio, en la paleta de colores predominan los cafés, se pueden distinguir cuatro tonalidades diferentes, también, por supuesto, hay uso de blanco y negro y termina con unos ligeros detalles de azul.

En el fondo, los colores no son graduales y sólo se utiliza el negro y el blanco, los extremos de luz y oscuridad, el negro, al cual se le da el significado de tinieblas, maldad y oscuridad y el blanco el cual significa pureza, luz y bondad, sin embargo, al encontrare los dos colores juntos, puede tratarse de una posible dualidad y al estar la escena compuesta por ángeles y calaveras (de las cuales,una tiene una aureola), esta dualidad podría tratarse de vida y muerte.

Por otro lado, en los personajes y el piso, hay colores graduales, en su mayoría cafés, que suele significar tierra, el azul, que significa divinidad y cielo (más opuestos), es un azul claro, se utiliza de manera sutil para las venas, algunas sombras y contornos.

Si se sigue la misma idea sobre la dualidad de la vida y la muerte y tomamos en cuenta estos dos últimos colores, tal vez se podría decir que a pesar de que es una escena plena por la luz, los colores nos sugieren muerte, pero del mismo modo, el azul trata de darle algún significado divino.

EL PLANO DEL CONTENIDO

-Nivel discursivo

Este azul, que como fue antes mencionado, aparece en contornos y venas, nos sugiere que el hombre y la mujer retratados tal vez sean de descendencia divina y están rodeados por seres de la misma naturaleza, por cuestiones de cultura popular, sabemos que posiblemente se trata de ángeles.

Hay que mencionar, además, que esta escena está compuesta por diez actores, dos principales (las calaveras) y ocho secundarios (los ángeles), todos figurativos y todos desnudos.

Enfocándonos en estos personajes, los ángeles, y prestando atención a sus gestos, nos damos cuenta que todos poseen un rostro serio, sobre todo el de la esquina superior izquierda, que pareciera que más que serio mirara con desprecio a los protagonistas de la escena, a su vez, observando la postura en la que se encuentran el hombre y la mujer (o las calaveras), se puede intuir que están cansados, cubren su cuerpo desnudo, lo cual quiere decir que están consientes de su desnudez y les da vergüenza.

Teniendo en cuenta todos estos hechos y haciendo un pequeño repaso a la cultura y la religión, posiblemente la escena representada en esta pintura se trate de Adán y Eva.

Todo empieza a cobrar más sentido a partir de aquí, puesto que ahora se cuenta con un texto del cual se ha derivado esta pintura.

-Nivel narrativo
Génesis 3 “4 Pero la serpiente le dijo a la mujer:
—No es cierto. No morirán. Dios sabe muy bien que cuando ustedes coman del fruto de ese árbol podrán saber lo que es bueno y lo que es malo, y que entonces serán como Dios.”
Lo bueno y lo malo, el blanco y el negro, presentes en el fondo, como dualidad, como ciclo.

Génesis 2 “…el Señor hizo caer al hombre en un sueño profundo y, mientras dormía, le sacó una de las costillas y le cerró otra vez la carne. 22 De esa costilla Dios el Señor hizo una mujer, y se la presentó al hombre…”

Si bien uno de los ángeles de cabello largo no está señalando las costillas, si está picando con uno de sus dedos entre el hueso y la carne del personaje masculino, lo cual también cobra sentido al percatarse de que el hombre es el único que posee transparencia en el tórax.

Génesis 2 “25 Tanto el hombre como su mujer estaban desnudos, pero ninguno de los dos sentía vergüenza de estar así.(…)
La mujer vio que el fruto del árbol era hermoso, y le dieron ganas de comerlo y de llegar a tener entendimiento. Así que cortó uno de los frutos y se lo comió. Luego le dio a su esposo, y él también comió. En ese momento se les abrieron los ojos, y los dos se dieron cuenta de que estaban desnudos.”

Este fragmento del texto en el cual ha sido inspirada la obra podría explicar las posturas de los dos personajes principales, cubriendo su cuerpo.

Génesis 3 “16 A la mujer le dijo:
—Aumentaré tus dolores cuando tengas hijos, y con dolor los darás a luz. Pero tu deseo te llevará a tu marido, y él tendrá autoridad sobre ti.”
Sólo uno de los personajes aparenta ser un niño y no un ángel, puesto que no tiene alas, en la orilla derecha podemos ver a un infante que pareciera que está tocando a la mujer por la espalda, al mismo tiempo esta está siendo abrazada por el hombre, que a pesar de que también se ve cansado o derrotado, el gesto de ser él quien envuelva a la mujer con su pierna y brazo la hace ver aun más indefensa, vuelvo a citar:  “él tendrá autoridad sobre ti”.

Génesis 3 “17 Al hombre le dijo:
—Como le hiciste caso a tu mujer y comiste del fruto del árbol del que te dije que no comieras, ahora la tierra va a estar bajo maldición por tu culpa; con duro trabajo la harás producir tu alimento durante toda tu vida. 18 La tierra te dará espinos y cardos, y tendrás que comer plantas silvestres. 19 Te ganarás el pan con el sudor de tu frente, hasta que vuelvas a la misma tierra de la cual fuiste formado, pues tierra eres y en tierra te convertirás.”
Que la paleta de colores tenga tonos cafés en su mayoría no es gratuito, pues como se dijo antes, simboliza la tierra, el despojo de la vida eterna, así como las calaveras también hacen referencia a esta adquisición de mortalidad.
El ángel de la esquina superior derecha no está coronando a Eva, le está quitando su divinidad, al mismo tiempo otro de los actores los está señalando con la mano izquierda, la mano maligna, y a su vez están hablando del ciclo, de la vida y la muerte.
ESPACIO Y TIEMPO/ ROL
La obra habla sobre Adán y Eva, han comido del fruto prohibido, tienen el rol de pecadores, sufrieron una transformación puesto que antes eran puros y no conocían el bien y el mal o la muerte, el tiempo lo podríamos definir como el momento después que se ha cometido el pecado, pero aun no son expulsados del paraíso, es el instante en el que están perdiendo su divinidad y convirtiéndose en mortales, pero a la vez han adquirido conocimiento.
El espacio es indefinido.
Como se mencionó antes, esta pintura hace presente a los opuestos, está compuesta por una antítesis.
ENUNCIADOR  Y ENUNCIATARIO
La luz equilibrada, y la perspectiva con la que fue pintada la escena sugiere que el autor quería ser lo más objetivo posible, puesto que muestra este instante como un observador, no quiere involucrar al espectador, tampoco quiere ocultarle nada, solo presenta la historia, sin involucrarse o involucrarnos, nos lo describe.
Tampoco hay rastro de la impronta del cuerpo del artista, igualmente el cuadro carece de firma, todo indica a que el artista no quiso acercamiento de ningún tipo hacia la obra, al menos no de manera explícita, irónicamente aunque sea una escena presentada de la manera más objetiva posible, puede que también el pintor buscase no ser tan directo en cuanto al tema, saturando a la pintura de elementos y eligiendo formas y colores  que aunque guardan relación con lo que nos quiere presentar, no se es consiente de ello a primera vista.
No oculta nada, es objetivo, pero no directo.